los grammy

Mar 29, 2023

Cortesía de BMG

entrevista

Viaja a través del último lanzamiento de The Kinks con el cantante y guitarrista Dave Davies, quien detalla las historias detrás de algunos de sus cortes profundos favoritos, desde "I'm Not Like Everybody Else" hasta "Wonderboy".

"Cambiamos como seres humanos todos los días, por lo que nuestras opiniones y nuestros sentimientos también cambian", dice Dave Davies con una suave sonrisa. "La música es como un cuadro: colgado en la pared, te va relatando diferentes cosas".

Teniendo en cuenta las muchas vidas musicales que ha vivido Davies, se ha familiarizado íntimamente con ese sentido de significado en evolución. Desde que cofundó la legendaria banda de rock inglesa The Kinks con su hermano Ray en 1963, Davies ha expuesto cada centímetro de su alma e historia personal a través de la canción. Con el reciente lanzamiento de The Journey, Part 1, la primera de dos recopilaciones de éxitos, lados B y favoritos de Kinks que abarcan toda su carrera, Davies ha tenido aún más oportunidades de descubrir nuevas facetas de los recuerdos y sentimientos que ha estado expresando a lo largo de la historia. décadas.

"No puedo imaginar lo que haríamos sin la música o el arte", dice. Innumerables fanáticos de todo el mundo tienen que agradecer a Davies que no necesitan preocuparse por esa triste posibilidad.

Davies habló con GRAMMY.com sobre algunas de sus canciones favoritas de The Journey, Parte 1 que merecen más amor, el impacto de la música favorita de sus padres y hermanos, y las lecciones que aprendió de la discografía de Kinks.

Ray siempre ha sido prolífico, pero esa fue una etapa particularmente prolífica. Siempre hemos sido, como, escritores visuales. La música es muy visual. Es una especie de cosa familiar, también. Incluso tuvimos un álbum llamado Think Visual hace algunos años.

E incluso pensando en mis primeros días, escuchando a Eddie Cochran, es música muy visual, el movimiento y las palabras. Realmente puede ponerte en una dimensión mental de ese tiempo. Ray era un genio en eso, escribiendo sobre cosas que estaban pasando en ese momento, aunque a veces era como reciclar un menú de un restaurante. [Risas] Todo fue fantástico.

Una canción que siempre me ha gustado es "Dead End Street". Eso siempre me ha hecho sentir que de ahí viene nuestra familia. Eso siempre ha sido muy importante para mí.

Ray y yo obviamente estamos muy apegados a nuestra historia familiar ya los miembros de nuestra familia. Mucha inspiración proviene de personas de nuestra familia o personas conectadas a nuestra familia. Mucha memoria fluye a través de la familia y los eventos. Escuchábamos de todo: música country, a mi mamá y a mi papá les gustaba mucha la música de los años 30 y 40, y a mis hermanas les gustaba la música de espectáculos y la música de películas como "Oklahoma", la música de bandas de baile, demasiado. Ray y yo tuvimos mucha suerte de crecer con tantas influencias musicales.

Esa canción hace una declaración sobre de dónde venimos como personas. Nunca pensé que era como los demás. Ray siempre pensó que esa sería una canción clave para mí. Dice mucho sobre los Kinks como personas. Siempre he encontrado que los Kinks eran siempre un poco diferentes en lo que hacíamos como artistas y personas. Usaría esa canción como recomendación para toda la compilación.

Siempre hablo de "Wonderboy" como una pista muy pasada por alto. Es mucho más profundo y tiene mucho más significado de lo que la gente cree. A veces nos esforzamos tanto por conseguir cosas, por hacer cosas, y tal vez lo mejor es mirarnos directamente a la cara.

[La música] es incluso a veces un gran medio para expresar lo que no sabes. Eso es lo que insinúa "Wonderboy": Tal vez lo que estamos buscando está frente a nosotros... Todo está sucediendo ahora. No tienes que esforzarte tanto. No tienes que volverte loco tratando de resolver lo que necesitas hacer en la vida. A veces las personas son puestas en nuestras vidas para alegría y asombro y pensamientos inusuales. Es importante animarse unos a otros, para ayudar a otras personas.

Estaba pasando por un momento en el que pensé: ¿Qué diablos estamos haciendo? Iba a fiestas todo el tiempo y pasaba el rato, y eso me hizo reflexionar sobre lo que estábamos haciendo como banda. Me hizo pensar en ser un actor de circo, un payaso.

Creo que lo importante era que solo éramos una familia de clase trabajadora normal. Ray tenía una gran habilidad para observar la vida de una manera ligeramente diferente. Toda la familia lo hizo, de verdad. Aprendimos a una edad temprana, siendo una gran familia, que la música era un gran medio para expresar las cosas cotidianas de una manera positiva.

Ese es un gran rockero, y se trata de un romance de rock 'n' roll. Me encanta hacer eso en vivo.

La remasterización es realmente genial. Creo que hicieron un muy buen trabajo en la remasterización de la compilación. Ray supervisó la mayor parte de la remasterización, pero todos habíamos tenido diferentes etapas importantes. Y BMG fueron de gran ayuda. Es genial trabajar con una compañía discográfica como esa. Lo hace un poco diferente.

"Days" siempre ha sido un tema muy importante para The Kinks, a través de nuestra evolución como banda. Esa canción marcó tantos requisitos [y] siempre es una pieza musical conmovedora cada vez que la tocamos. Surgió en un momento en que todos estábamos experimentando muchos cambios internos, cambios emocionales, cambios en los negocios, cambios en la vida, especialmente Ray. Y esa canción siempre se prestaría a un recuerdo de alguna pérdida pero también de comprensión.

Tal vez deberíamos pensar más en las cosas antes de hacerlas. No siempre nos tomamos el tiempo para entender los sentimientos. No podemos desechar nuestras ideas emocionales porque no comprendemos su profundidad. Pero con el tiempo podemos saber más a través de una canción, una pintura, una persona. Muy buena música que escuchas y piensas una y otra vez.

Esa canción realmente se basa en un tema de amor infantil, realmente mi primer amor, que fue en la escuela. Teníamos 15 años, estábamos separados y nuestros padres no nos dejaban vernos. Puedes leerlo todo en mi autobiografía [risas] si te apetece. "Mindless Child of Motherhood" trata sobre cómo tuvo un bebé y no pudimos convertirnos en una familia adecuada, todas esas cosas emocionales pesadas.

Es como la poesía. A veces no te das cuenta del todo de qué se trata hasta algunos años después. Eso lo hace más interesante. El arte ofrece una forma de expresar cómo te sientes, incluso si no sabes exactamente lo que quieres decir. Está muy dentro de ti y, a veces, solo lo descubres más tarde. Nos volveríamos realmente locos si ninguno de nosotros tuviera un medio de expresión como ese. Eso es lo bueno del rock 'n roll en los primeros días, cuando éramos niños: era un gran medio para expresarnos. Cuando eres joven, no siempre sabes lo que estás expresando, pero a veces es suficiente bailar o patear. A veces podemos aceptar tanto diciendo muy poco.

Leyendas vivientes: Dave Davies de The Kinks sobre el colapso del siglo XXI, ablandándose a los setenta y agitando la olla en Twitter

Foto: Peter Wafzig/Getty Images

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En su álbum recientemente lanzado, 'But Here We Are', Dave Grohl y compañía ofrecen un apasionante confesionario tanto de la pérdida dolorosa como de la resiliencia abrasadora. En honor a su undécimo álbum, reviva 10 de las pistas más importantes de Foo Fighters.

Foo Fighters, uno de los pilares fundamentales del rock contemporáneo, cuenta con una historia casi mítica. Lo que comenzó como la banda de un solo hombre de Dave Grohl en 1994 después del devastador final de Nirvana se ha convertido en una máquina seminal con un catálogo que abarca tres décadas.

El grupo actualmente tiene el récord de la mayor cantidad de GRAMMY ganados en la categoría de Mejor Álbum de Rock, recogiendo premios en 2000 (There Is Nothing Left to Lose), 2003 (One By One), 2007 (Echoes, Silence, Patience & Grace), 2012 (Desperdicio de luz) y 2022 (Medicina a medianoche). En los Premios GRAMMY 2023, Medicine at Midnight también se llevó a casa premios a la Mejor Interpretación de Rock ("Making a Fire") y Mejor Canción de Rock ("Waiting on a War").

Su undécimo álbum de estudio recientemente lanzado, But Here We Are, es el primer proyecto de la faceta luego de la muerte del baterista y vocalista Taylor Hawkins el año pasado. Hawkins, quien se unió a Foo Fighters en 1997 y se convertiría en una fuerza creativa impulsora del grupo, fue lamentado por músicos y fanáticos de todo el mundo. Los conciertos tributo en Londres y Los Ángeles presentados por la familia Hawkins junto con Foo rindieron homenaje con gracia a su legado.

Grohl y compañía lograron superar su dolor colectivo en But Here We Are. El proyecto sirve como un apasionante confesionario tanto de la pérdida dolorosa como de la resiliencia abrasadora. En honor a su último esfuerzo, GRAMMY.com enumera 10 de las pistas más importantes de Foo Fighters.

Lanzado un año después de la muerte de Kurt Cobain, el álbum debut de Foo Fighters rebosaba promesas. "Perder a Kurt fue devastador, y tenía miedo de la música después de su muerte", le dijo a Anderson Cooper durante un episodio de 2014 de "60 Minutes".

Aunque Grohl insistió en que el disco era solo una salida para el dolor, marcó el comienzo de su ilustre carrera. "Big Me", el último sencillo empalagoso del proyecto, demostró que el baterista convertido en líder tenía la habilidad de crear melodías pegadizas que se convertirían en éxitos innegables.

La naturaleza cursi de la pista fue el resultado de que Grohl no pensó mucho en el álbum, pero ese enfoque intrínsecamente simple, que se filtró hasta el video de la canción que parodiaba los comerciales de Mentos, fue el comienzo de algo grandioso.

Uno de los momentos más emocionantes de Foo Fighters hasta la fecha llega en forma de canción de amor. "Everlong", que fue el segundo sencillo del segundo esfuerzo de la banda, atrae a los oyentes con sus suaves y melódicos acordes, manteniendo su atención con una percusión sofocante y un lirismo desgarrador.

"Everlong" se trata de estar tan en sintonía con una pareja romántica que la conclusión de esa relación es totalmente devastadora. "Ven y consume conmigo", canta serenamente Grohl. "Abajo conmigo / Lento, cómo querías que fuera / Estoy sobre mi cabeza / Fuera de su cabeza, cantó". La interpretó por primera vez acústicamente en 1998 en "The Howard Stern Show", que según Grohl "le dio a la canción un renacimiento completamente nuevo" durante una actuación en el Oates Song Fest 7908.

"Breakout" apareció en el tercer álbum de la banda, There Is Nothing Left To Lose, y está lleno de una energía punk frenética que canaliza las raíces grunge de Grohl. Si bien los críticos elogiaron el álbum y notaron la notable progresión de los Foos hacia himnos más melódicos, este éxito rápido sigue siendo digno del entusiasmo que recibió hace más de 20 años.

La pista también apareció en la película de comedia de 2000 Me, Myself & Irene, protagonizada por Jim Carrey, y varias de sus estrellas aparecen en su video musical. There Is Nothing Left To Lose también impulsó el éxito de radio "Learn To Fly", que ganó el premio GRAMMY al Mejor Video Musical Versión Corta en 2000.

El cuarto álbum de estudio de Foo Fighters marcó un período turbulento en la historia de la banda. Aparte de los problemas personales, Grohl acababa de grabar la batería para Songs for the Deaf de Queens of the Stone Age y se unió al grupo para una gira posterior.

Si bien se desconocía el destino de Foo, una actuación triunfal en Coachella en 2002 les dio a los miembros una nueva perspectiva sobre su futuro. "'Times Like These' se escribió básicamente sobre la desaparición de la banda durante esos dos o tres meses y sobre la sensación de que no era del todo yo mismo", declaró Grohl en el documental del grupo de 2011, Back and Forth. "Simplemente pensé, 'Está bien, no he terminado de estar en la banda. No sé si ellos lo están, pero yo no'".

Con su sencillez lírica y sinceridad paralizante ("En momentos como estos se aprende a vivir de nuevo/En momentos como estos se da y se vuelve a dar"), la canción ha llegado a encarnar el amor, la unión y la esperanza.

"Tengo otra confesión que hacerte/Soy tu tonto", aúlla Dave Grohl a todo pulmón en el fascinante comienzo de "Best of You". Su declaración es seguida por la proposición existencial: "¿Naciste para resistir o para ser abusado?"

El sencillo principal de In Your Honor está repleto de emociones, en el que el líder de Foo se muestra optimista y desafiante y alienta a quienes escuchan sus palabras a ser iguales. Ese sentimiento fue impulsado políticamente, ya que "Best of You" se escribió después de que Grohl hiciera varias apariciones en la campaña presidencial demócrata de 2004 para John Kerry.

"No es un disco político, pero lo que vi me inspiró", le dijo a Rolling Stone en 2005. "Se trata de romper con las cosas que te limitan". "Best of You" es su única canción en los EE. UU. que alcanzó el estado de platino.

Una de las canciones más importantes del grupo fue "The Pretender", de Echoes, Silence, Patience & Grace de 2007. La composición de canciones de Grohl en la pista es de proporciones macabras, ya que los solemnes acordes introductorios dan paso a la letra: "Envía tus esqueletos/Canta mientras sus huesos marchan de nuevo/Te necesitan enterrado profundamente/Los secretos que guardas están siempre listos. "

Los riffs más pesados ​​y la percusión palpitante lo convierten en toda una experiencia auditiva. Los crescendos de ritmo perfecto en "The Pretender" le dan la cantidad justa de suspenso, haciéndolo indeleble para la discografía de Foo.

En 2012, Wasting Light ganó cuatro premios GRAMMY, incluido el de Mejor Álbum de Rock. "White Limo" se llevó el galardón a la Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal, y por una buena razón.

El segundo sencillo del séptimo álbum de estudio de Foo Fighters es un número feroz saturado de gritos primarios y ritmos vertiginosos. "White Limo" fue una de sus canciones más estridentes hasta la fecha y el grupo hace su mejor imitación de Motorhead (la aparición de Lemmy Kilmister en el video musical sirve como el último sello de aprobación). El grupo fue intencional al maximizar su agresión en la pista de heavy metal, haciendo de "White Limo" el equivalente sónico de un rayo en su inmenso catálogo.

Concrete and Gold de 2017 no se trataba tanto de redefinir la rueda como de perfeccionarla. El noveno álbum de estudio del grupo es tan rock 'n' roll como parece.

Hubo una gran cantidad de apariciones especiales memorables, como Paul McCartney en "Sunday Rain", Shawn Stockman de Boyz II Men en "Concrete & Gold" y Alison Mosshart de Kills en "The Sky Is a Neighborhood" y "La Dee Da".

La mejor pista del álbum, "Make It Right", presenta un cameo no acreditado y sónicamente desagradable de Justin Timberlake. Sin embargo, la aventura de la colaboración en un territorio más pesado vale la pena, con Grohl mostrando sus respetos a Led Zeppelin. La influencia de las leyendas del rock rezuma por todas partes "Make It Right" en forma de burlas irregulares y riffs astillados. Timberlake se desliza hacia el fondo con voces adicionales, asegurándose de no alterar la fórmula de Foo de ninguna manera.

El décimo álbum de Foo Fighters, Medicine at Midnight, fue un refrescante regreso a la forma para los rockeros.

Provocado por una conversación de la hija de Grohl, "Waiting on a War" personificó la reflexión del grupo sobre el ominoso futuro de Estados Unidos. Durante cuatro minutos, Grohl afirma que está "esperando que se caiga el cielo", aunque sus pensamientos melancólicos finalmente se transforman de un canturreo melancólico sobre los acordes de la guitarra acústica a un final feroz y retumbante. El enfoque audaz de Foo les valió un premio GRAMMY en 2022 a la Mejor Canción de Rock.

El poder de "Rescued", el primer sencillo cargado de emociones de But Here We Are, se basa no solo en la letra para expresar el sentimiento de desánimo, sino también en la expresión de Grohl.

"Todos somos libres hasta cierto punto/Para bailar bajo las luces", canta. "Estoy esperando a que me rescaten/me devuelvan la vida". Su voz languidece entre la fatiga y el vigor mientras las guitarras arremolinadas y las acumulaciones etéreas brindan catarsis tanto para la banda como para el oyente. La vulnerabilidad de "Rescued" canaliza la intrigante autoconciencia que se escucha en álbumes como The Color and The Shape e In Your Honor. Pero esta canción representa un nuevo capítulo para Foo y es uno que confronta su dolor de frente.

Los Foo Fighters son un gigante musical indestructible. Pero la muerte de Taylor Hawkins demuestra que también son seres humanos.

Foto: Caity Krone

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Mientras Lizzy McAlpine termina la parte estadounidense de su gira, la cantante de "techos" recuerda cómo su canción se volvió viral, actuó en "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", encabezó una gira con entradas agotadas y firmó con un importante sello discográfico. .

Lizzy McAlpine es una hábil narradora que se ha hecho conocida por su composición cándida y relatable en géneros que van desde el pop hasta el indie folk. "A medida que crecí y evolucioné como compositora, pude dejar que la vulnerabilidad brille un poco más y tengo menos miedo de decir exactamente lo que tengo en mente", dice, hablando desde Los Ángeles. durante una llamada de Zoom.

Aparentemente, los oyentes aprecian su honestidad.

McAlpine ha convertido a cientos de millones de oyentes en fanáticos dedicados desde el lanzamiento de su primer álbum, Give Me A Minute, en 2020. Después de presentar su segundo álbum en cinco segundos, su popularidad parece haberse disparado. Su exitosa canción "ceilings" alcanzó el puesto 54 en la lista Billboard Hot 100, alcanzó 230 millones de reproducciones y escaló en Spotify, obtuvo la certificación Gold e inspiró un desafío de TikTok que generó más de 742 000 publicaciones con una versión acelerada de la canción. . Recientemente actuó en "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon" y firmó con RCA Records. La segunda etapa de su gira se agotó de inmediato.

"Aunque las experiencias por las que todos pasamos son universales, puede sentirse aislado cuando estás en el momento", dice el músico de 23 años nacido en Filadelfia. "Espero que la gente pueda sentirse menos sola y tenga una salida para expresar sus emociones que sea saludable al escuchar mis canciones".

Con su voz suave pero firme, McAlpine canta desde un lugar donde la mayoría de nosotros nos sentimos menos cómodos, un lugar de incertidumbre, contradicción y descubrimiento, que se refleja en líneas como "No es que te odie, odio que te duela". y "Estaba tratando de ser honesto, pero ahora creo que debería haber mentido". Instrumentalmente, cinco segundos planos se superponen con funciones electrónicas, cuerdas, guitarra, piano, batería y trompetas. Pero McAlpine no quiere encasillarse en un estilo: "Mis álbumes son solo un reflejo de quién soy en ese momento".

Después de completar una gira internacional de 27 espectáculos el 11 de septiembre, McAlpine regresará al estudio para continuar con el desarrollo de su tercer álbum, y para trabajar hacia nuevos objetivos, que incluyen volver a actuar en el escenario o la pantalla ("Literalmente tomaré Lo extraño mucho"), construyendo un mundo alrededor de su próximo álbum a través de imágenes y experiencias de fans, y comprando una casa. Pero primero, habló sobre los aspectos más destacados de su carrera reciente con GRAMMY.com.

Definitivamente me sorprendió. No espero que ninguna de mis canciones tenga momentos virales. Si va a suceder, sucederá, y no voy a perseguirlo o intentar que suceda. Además, esto no era un sencillo, solo estaba en el álbum, por lo que definitivamente no esperaba que esta canción resonara tanto con la gente.

Trato de escribir sobre cosas que me han pasado. Aparentemente, es universal: he pasado por cosas por las que parece pasar todo el mundo, y las pongo en palabras. Pienso en mis sentimientos todo el tiempo. Escribo un diario todo el tiempo; Tengo que escribir sobre un sentimiento hasta que lo entiendo. Eso es parte de lo que es escribir canciones, para mí también. Es escribir sobre cosas que no entiendo hasta que las entiendo. Y siento que mucha gente se conecta con eso.

No estoy teniendo experiencias locas que nadie más haya tenido en su vida antes. Simplemente tiendo a encontrar maneras de hablar sobre estas cosas que experimenté, [que son] a veces sentimientos que son difíciles de expresar con palabras, y en formas de las que no mucha gente ha hablado. Creo que la gente se conecta con la realidad y la honestidad.

[Notar la tendencia de TikTok de "techos"] fue algo gradual para mí. No puedo recordar qué video vi primero, pero vi que el sonido acelerado ganaba un poco de tracción en TikTok, y luego comencé a ver los videos, y se disparó a partir de ahí. no me lo esperaba Fue salvaje.

He estado en el mundo de los programas de entrevistas nocturnos antes, pero esta fue la primera experiencia que tuve en al menos un año. Me divertí mucho. Me pongo nervioso antes de actuar en cualquier lugar; no importa quién esté mirando. Pero yo no estaba tan nervioso en absoluto. Jimmy fue muy amable. Hicimos la parte, la filmamos. Y luego, al final, dijo: "Avísame si quieres escuchar las mezclas. Queremos asegurarnos de que te guste". Fue divertido estar allí y estar en el set e interpretar la canción para una audiencia real.

No diría que ese fue el punto de inflexión para ser más reconocido. No puedo precisar un momento exacto en el que comenzó a cambiar, pero siempre ha sido un tipo de crecimiento gradual y cuesta arriba, que es lo que quiero. No estoy persiguiendo el éxito de la noche a la mañana. Quiero una carrera duradera. Así que estoy tratando de construirlo gradualmente y con intención. Ese fue un paso en el camino.

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Al principio, estaba completamente convencido de que todos los boletos habían sido comprados por bots o estafadores o algo así, y que no había forma de que se agotaron tan rápido. Solo me convencí cuando subí al escenario en el primer espectáculo y vi personas reales en la audiencia. Fue surrealista.

Especialmente dado que esta es la segunda etapa de la gira de cinco segundos, queríamos que fuera diferente de la primera gira, de modo que si las personas vienen por segunda vez, no obtendrán lo mismo. Y también queríamos subir el nivel de producción, porque ahora tenemos los medios para hacerlo. Tenemos un conjunto completo. Tenemos paredes y un sofá. Tenemos iluminación. Básicamente se siente como una sala de estar, que fue mi diseño y realmente quería que se sintiera hogareño e íntimo porque esa es mi vibra. Interactúo con los muebles y las lámparas, y me muevo por el plató. Estoy bastante seguro de que la última gira tuvo una alfombra en el escenario, y eso fue todo. Pero eso es todo lo que podíamos permitirnos. Está empezando a sentirse como una producción real ahora.

Hay muchas partes desafiantes de las giras para mí. Mi taza ya está bastante vacía: no tengo mucha energía social. Viajar le quita más, y luego actuar le quita aún más, de modo que al final del día, todos los días, no me queda nada. A veces, una vez que estoy en el escenario, es fácil entrar en ese modo de actuación. Pero es duro para mi mente y mi cuerpo después.

Así que es difícil, pero obviamente hay momentos divertidos. Quiero mucho a mi equipo. Mi banda y el equipo son muy amables y divertidos. Mis momentos favoritos en la gira hasta ahora han sido con ellos.

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Además de que la gira ha subido de nivel esta vez, este también se siente como el momento adecuado para ir a un sello importante. Lo había pensado justo antes de que salieran cinco segundos, pero quería aguantar un poco más. Ese álbum no parecía el álbum adecuado para llevar a una carrera importante. Fue una cosa del intestino. Y ahora siento que estoy al borde de algo y esta decisión de firmar con RCA definitivamente me está empujando hacia eso.

Quiero hacer y lograr muchas cosas en mi vida y en mi carrera. Este es un paso hacia todos esos objetivos. Estaba listo para dar ese paso.

Estoy trabajando en mi tercer disco, y me ha llevado mucho tiempo, pero finalmente está en camino. Todos mis álbumes van a sonar diferentes porque siempre voy a ser una persona diferente cuando los esté haciendo. Quien soy ahora se inclina más hacia los sonidos inspirados en los años 70 como Elliott Smith and the Smiths y ese tipo de artistas. Una gran inspiración para este álbum es Andy Shauf: su música es increíble. Al igual que el sonido de los años 70, en vivo, más crudo y menos afinado y perfeccionado. Quiero que el próximo álbum se sienta más auténtico. No es que mi material anterior no haya sonado auténtico, pero me inclino más hacia un sonido menos limpio y menos pulido.

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Foto: Le3ay

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Después de tres años de preparación, Madison Beer comenzó su próximo capítulo con "Home to Another One", el primer sencillo de su segundo álbum. La cantante detalla su viaje "liberador" para crear 'Silence Between Songs'.

En la era viral actual, las personalidades de Internet no siempre son difíciles de encontrar. Pero lo que no es tan fácil de encontrar es una personalidad de Internet con longevidad, y Madison Beer ha demostrado que es más que una estrella viral fugaz.

Beer comenzó a publicar versiones de canciones en YouTube en 2012, mostrando su destreza pop y su voz etérea a la edad de solo 13 años. Ella pasó brevemente por la trayectoria de una estrella del pop adolescente después de que Justin Bieber la firmó con Island Records ese mismo año, pero primero la encontró. verdadera voz musical en su EP debut, As She Pleases de 2018. Y una vez que tomó el control total con su álbum debut, Life Support de 2021, coescribiendo y coproduciendo las 17 canciones, se instaló por completo en Madison Beer, la artista.

Ahora que está a punto de lanzar su segundo álbum, Silence Between Songs (que saldrá el 15 de septiembre a través de Epic Records), Beer pretende ampliar la mezcla de vulnerabilidad inquebrantable y melodías contagiosas que ha exhibido desde que entró en la suya. Primero dio una muestra de eso con "Home to Another One", una pista aireada que es una mezcla de Lana Del Rey y Tame Impala, dos de sus mayores inspiraciones, la primera de las cuales incluso le dio comentarios a Beer sobre el álbum.

La aprobación de Del Rey es una de las muchas razones por las que Silence Between Songs es especial para Beer, junto con el hecho de que una vez más coescribió y coprodujo cada canción. Pero quizás el aspecto más importante del proyecto es la libertad que encontró durante el proceso de casi tres años.

"Como artista, a veces nos dicen que si nos tomamos un descanso, alguien te reemplazará, alguien vendrá justo detrás de ti", dice Beer. "Ya no me suscribo a eso, y creo que ha sido algo realmente liberador".

Beer habló con GRAMMY.com sobre cómo el hecho de estar más arraigada en su vida personal inspiró la nueva música y por qué, a pesar de su fama en línea, "a veces le tiene bastante miedo Internet".

Felicitaciones por el lanzamiento de "Home to Another One" y el anuncio del álbum. Me imagino que es estresante porque uno nunca está realmente seguro de cómo se percibirán las cosas. ¿Cómo es finalmente empezar a sacar todo?

"Home to Another One" en realidad lo hice hace apenas seis meses, por lo que fue una de las últimas adiciones al álbum antes de entregarlo. No ha sido un proceso de espera tan doloroso como los otros. Pero creo que la revelación del título del álbum fue en realidad la más intensa para mí. He estado sentado en él durante tres años, por lo que tenerlo ahí se siente bastante surrealista. Pero las respuestas de la gente han sido muy positivas y la gente se siente emocionada, por lo que estoy muy agradecido.

Es un sonido un poco nuevo para mí; tiene una energía diferente a mis otras canciones. Pero los verdaderos fans que escuchan mis entrevistas o me ven de gira, saben que mi catálogo musical de cosas que escucho es bastante eléctrico o diferente; No hay un solo género que me encante. No hay nada que pueda hacer que realmente los sorprenda, porque saben que amo todo tipo de música.

Los títulos de los álbumes, y los títulos en general, siempre son complicados. Cuéntame cómo se te ocurrió el tuyo, Silence Between Songs?

Era muy joven cuando vi por primera vez un poema o un libro sobre este tipo de idea. Se trataba de extrañar a alguien, y decía "Te extraño mucho en el tiempo que tarda en comenzar la siguiente canción".

Siempre pensé que era un concepto genial y quería hacer algo con esa idea para mi álbum debut. Pero cuando empezamos a crear el álbum en 2020, la canción "Silence Between Songs" fue una de las primeras que creamos, así que fue el primer título que tenía en mente. Trabajamos a partir de eso, y ahora, tres años después, tiene un significado adecuado para mí. He crecido mucho desde que comencé a crearlo, y el álbum realmente trata sobre cómo puedes crecer al desconectarte del ruido.

Es un testimonio del título que se quedó con él durante tres años y nada lo superó. ¿Cómo te has dado cuenta de que te tranquilizas y te desconectas del ruido?

Definitivamente, el título no ha sido negociable para mí desde entonces. Pero después de la gira, es difícil descomprimirse y calmarse. De hecho, me costó mucho volver de mi última gira y volver a la realidad; estás tan locamente ocupado, y es un gran golpe de dopamina todos los días. Me costó un poco volver a sentarme, pero es en esos momentos cuando más aprendo sobre mí.

Ahora priorizo ​​mi tiempo a solas y mi tiempo libre; Dejo que mi cuerpo descanse y no me siento presionado a salir y hacer cosas todo el tiempo. Si quiero quedarme en casa y relajarme en la cama todo el fin de semana, lo haré. Estoy tratando de entender y no sentirme culpable por el tiempo de inactividad y los tiempos de descanso.

Como artista, a veces nos dicen que si nos tomamos un descanso, alguien te reemplazará, alguien vendrá justo detrás de ti. Ya no me suscribo a eso, y creo que ha sido algo realmente liberador.

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¿Es por eso que sentiste que tenías que seguir adelante?

Creo que en el pasado era eso de si las personas con las que trabajaba o las personas en línea; esta noción de que siempre va a estar dispuesto a hacer más que tú y hacer todo, y si no lo haces, te reemplazarán. Ese fue un miedo real que tuve durante mucho tiempo. Sin embargo, ya no dejo que eso suceda. Me sacaron de un sello y me reemplazaron, así que el miedo es real, y durante mucho tiempo tuve bastante miedo de eso. Pero ya no lo soy.

¿Alguna vez te preocupa revelar demasiado o muy poco de ti mismo? Como artista, demasiado puede parecer compartir demasiado; pero demasiado poco, no estás siendo totalmente honesto. ¿Dónde está el equilibrio para ti y cómo lo has alcanzado?

Definitivamente es interesante discutirlo, porque en esta era de las redes sociales, muchos de nosotros tenemos esta presión de ser identificables y agradables. Pero, de nuevo, no me presiono a mí mismo, porque creo que no soy el tipo de persona que se despierta todos los días y siente la necesidad de hacer un video sobre estas cosas personales. Estoy dispuesto a hacerlo cuando me da la gana, pero siento que no es auténtico obligarte a hacerlo solo para agradar. Así que trato de publicar solo cuando tengo ganas. Creo que mis fans me conocen y mis fans me aman. No necesito ganarme los corazones del público en general para difundir mi música y ser recibido. No quiero obligarme nunca a hacer algo que no quiero hacer.

"Home to Another One" es un himno melancólico con una ruptura. Me pregunto cuál fue el origen de esa canción.

Bueno, pensé: "¿Cuál es mi sonido pop?" En el pasado, cuando hice canciones alegres, tal vez no fueron tan auténticas para mí, o canciones que no me subiría al auto ni querría escuchar. Así que pensé: "¿Qué puedo hacer que sea alegre y divertido, pero que siga siendo yo y no me venda para hacer una canción clasificada como optimista?"

Cuando la escuché, en cuanto a la voz, me recordó mucho a Lana Del Rey. ¿Sería justo decir eso?

Definitivamente. Soy un gran admirador suyo y siento que está integrada en mí de maneras que ni siquiera puedo precisar.

Cuando estás escribiendo música, como coproductor, ¿sabes dónde van a ir tus canciones desde el principio? ¿Cuál es tu proceso?

Soy coproductor de todas las canciones, lo que ha sido otro gran esfuerzo mío. Tengo la suerte de trabajar con mi increíble productor Leroy Clampitt, que está dispuesto y ansioso por escuchar mi opinión y quiere que coproduzca todo.

No está realmente calculado, no lo creo. Realmente fluye. Es un fastidio que no tuviéramos una cámara en la habitación cuando lo estábamos haciendo, porque estaba realmente involucrado en cada sonido que escuchas. Mi relación con Leroy es realmente especial porque puedo hacer un sonido como mmmmm y él sabrá a lo que me refiero. Todo está muy meticulosamente planeado, pero no es como, "Quiero este tipo de sintetizador". Dejamos que la canción fluya. y construir sobre la marcha.

Muchos artistas se acreditan como coautores de canciones, pero no muchos se acreditan como coproductores. ¿Por qué fue importante para ti ser acreditado como coproductor de tus propias canciones?

Trabajando con el mismo productor durante más de cinco años, siento que puedo expresar mi opinión y que no sea extraño. Leroy fue el que tuvo la amabilidad de decir que pensaba que debería obtener un crédito de coproductor. Él dijo: "Tú has hecho tanto como yo". Todas las ideas provienen de mí y de nosotros, y hacemos todo juntos.

Tu álbum debut salió hace un par de años y empezaste a trabajar en este en 2020. ¿Por qué un proceso tan largo?

No se suponía que fuera. El tiempo se te escapa, y definitivamente volví al estudio muchas veces para rehacer cosas y editar. Hemos tenido varias pruebas de prensado del vinilo, y muchas veces pensé que estaba terminado y luego volví a entrar.

No sé, siento que así es como soy. Nunca estoy demasiado satisfecho. Pero mi objetivo ahora es tratar de sacar un álbum dentro del próximo año después de que salga este. Quiero entrar en el ritmo de lanzar música con más frecuencia y no tomar brechas de tres años entre todos ellos.

Tienes una huella masiva en Internet, con 34 millones de seguidores solo en Instagram. ¿Es un seguimiento así un regalo o una carga? ¿Cómo lidias con eso en tu mente sabiendo que puedes levantar tu teléfono y publicar algo para una audiencia de millones?

He estado obteniendo flores de manera constante durante 12 años, por lo que es algo que no me sucedió de la noche a la mañana. Hay una gran diferencia en la forma en que lo hago ahora que hace un par de años. No me obligo a estar comprometido todo el tiempo o publicar todos los días.

De hecho, a veces me aterroriza Internet. La forma en que se mueve puede dar mucho miedo y creo que no nos damos espacio para cometer errores humanos. Si expreso una opinión en línea o quiero decir algo, no es que no me importe lo que la gente diga al respecto, pero sé que mis intenciones sí lo son. Nunca voy a apelar y complacer a todos, pero sé cuándo quiero hablar y compartir, es auténtico y proviene de un buen lugar.

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Foto: Cortesía de Mathew V

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El cantante emergente de jazz-pop Mathew V le da un giro a "Georgia on My Mind" de Ray Charles, uno de los muchos éxitos clásicos que cubrió en su último álbum, 'Anything Goes'.

Hace más de 60 años, la leyenda musical Ray Charles mantuvo a Georgia en nuestras mentes con una versión inolvidable de la canción original de Hoagy Carmichael, que encabezó legítimamente las listas de éxitos de Billboard y ganó dos gramófonos dorados en los GRAMMY de 1961.

"Dije, Georgia, oh, Georgia/ No encuentro paz/ Solo una vieja y dulce canción/ Mantiene a Georgia en mi mente", canta Charles en el coro de la canción. "Otros brazos se extienden hacia mí/ Otros ojos sonríen tiernamente/ Aún así, en sueños pacíficos, veo/ El camino conduce de regreso a ti".

En este episodio de ReImagined, el cantante pop emergente Mathew V ofrece su interpretación de "Georgia on My Mind". Aunque Mathew V se mantiene fiel a la grabación original de Charles, hace que la canción sea propia con su tono vocal suave y sus ejecuciones ágiles.

"Georgia on My Mind" es una de las muchas canciones que Mathew V interpretó en su último proyecto, Anything Goes, que también incluye reimaginaciones jazzísticas de otros clásicos como "At Last" de Etta James y "Don't Rain on My Parade" de Barbra Streisand. ." Traerá sus estilos de jazz al escenario el 6 de agosto, cuando realizará un espectáculo de una sola noche en su ciudad natal en Frankie's Jazz Club en Vancouver, Canadá.

Presiona reproducir en el video de arriba para ver la conmovedora interpretación de Mathew V de "Georgia on My Mind" de Ray Charles, y vuelve a GRAMMY.com para ver más episodios nuevos de ReImagined.

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Foto: Dutty Vanier

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Celebrado del 7 al 13 de junio en varios cines de la ciudad de Nueva York, el Festival de Cine de Tribeca presentará más de 20 emocionantes películas musicales, desde cortometrajes hasta documentales y biopics. Siga leyendo para conocer algunas de las proyecciones más emocionantes del festival.

El Festival de Cine de Tribeca anual está repleto de películas independientes aclamadas por la crítica, cortos provocativos y documentales innovadores: en la edición de 2023, la música está en el corazón de muchas categorías.

Celebrado del 7 al 13 de junio en varios teatros de la ciudad de Nueva York, el Festival de Cine de Tribeca presentará emocionantes películas musicales que abarcan todos los géneros. Hay más de 20 proyecciones relacionadas con la música en el festival, incluidos cortometrajes y videos musicales como Lizzo's Special, junto con películas que abordan subculturas y biopics perspicaces sobre Gloria Gaynor, Cyndi Lauper, Carlos Santana, Indigo Girls y Biz Markie.

Los largometrajes incluyen Lost Soulz, un drama ambientado en una banda sonora de hip-hop de baja fidelidad y protagonizado por el rapero Suave Sidle; una película de concierto de la extravagancia musical de Taylor Mac, que muestra tres décadas de historia social estadounidense con una orquesta de 22 piezas y una gran cantidad de invitados especiales. También se muestra la legendaria película de hip-hop Wild Style, y una narración tensa de la controversia de Milli Vanilli con Frank Farian que finalmente condujo a la desaparición del dúo. Algunos de los artistas destacados también actuarán en vivo luego del estreno de sus películas.

Acompañando a la lista de películas hay charlas de estrellas de la música como Chance the Rapper, Lin-Manual Miranda, Hailee Steinfeld y Diplo, todos ofreciendo su experiencia individual y sus conocimientos de la industria, y proyecciones de videos musicales que incluyen Lizzo's Special y Lunarcode's The Light. Un salón de música también albergará actuaciones de Tei Shi, Frost Children, LuNika, Habibi y Sussan Deyhim.

Antes del festival, GRAMMY.com reunió algunos de los documentales y largometrajes musicales más emocionantes.

Con su estreno mundial en Tribeca, este documental nos lleva tras bambalinas del campamento de composición de canciones de mujeres de Alicia Keys, She Is The Music. Dirigida por la cineasta ganadora del premio Emmy Beth Aala, esta película explora las dificultades de ingresar a la industria de la música como una mujer de color.

Keys actúa como mentora, guiando a los compositores a través de presentaciones en vivo y sesiones de escritura íntimas, además de hablar sobre las dificultades que experimentó en el futuro. Sin embargo, son los participantes del campamento los que ocupan un lugar central en este documental, incluidos Ayoni, nacido en Barbados, y DaVionne, nativo de Atlanta.

La noche del estreno, algunos de los participantes del campamento actuarán en un espectáculo curado por Alicia Keys.

La legendaria cantante de música disco Gloria Gaynor comparte la historia de su vida en esta nueva película biográfica, y describe no solo sus éxitos históricos, sino también sus luchas a lo largo del camino. Desde el lanzamiento de la canción que la colocó en los libros de historia, "I Will Survive", la vida de Gaynor se vio arruinada por problemas de salud y su exmarido abusivo. Ahora, a los 76 años, está lanzando un nuevo álbum de gospel y podemos acompañarla en el viaje.

La propia Gloria Gaynor actuará después del estreno del documental.

Cuando los jamaiquinos emigraron a la ciudad de Nueva York en los años 80 y 90, trajeron consigo un catálogo de cultura, desde música y baile hasta comida e idioma. De particular interés fue la importación de la música dancehall, un género que se elevó en la ciudad y, eventualmente, en el resto del país y el mundo.

En este documental, escuchamos la historia del dancehall contada a través de algunos de los rostros más reconocibles del género: Sean Paul, Shaggy, Ding Dong, Kool Herc y más. Junto con sus anécdotas, el público verá imágenes de archivo nunca antes vistas para ayudar a contar la historia de cómo el dancehall viajó desde Kingston a la Gran Manzana y cómo ha inspirado a generaciones, incluso en el hip hop, que celebra su 50 aniversario este año.

Tras el estreno, habrá una actuación de leyendas del dancehall.

Este largometraje cuenta la historia de Sol (interpretado por el rapero Suave Sidle), quien se une a un grupo de hip-hop y viaja por Texas con la esperanza de encontrarse a sí mismo. Crea, produce y actúa con un grupo que también son raperos en la vida real.

Si bien la mayor parte de la película tiene un guión, la directora Katherine Propper también les dio a los actores libertad y espacio para improvisar. Con una banda sonora de hip-hop de baja fidelidad, el efecto es uno de comodidad nebulosa y momentos que te toman por sorpresa. Lost Soulz se trata de encontrar un hogar en cualquier forma que sea, y buscar alcanzar tus sueños sin saber exactamente cuáles son.

La cineasta Alexandria Bombach ha adorado a Indigo Girls desde su adolescencia y es parte de un público global que se siente atraído por la música liberadora del dúo de folk-rock.

En esta oda documental, las integrantes Emily Saliers y Amy Ray comparten su historia de éxito que abarca décadas de elogios impresionantes, incluida la venta de 15 millones de discos. Pero también destaca las dificultades que enfrentaron como mujeres y lesbianas dentro de una industria musical misógina y homofóbica, y cómo esto se filtró en su vida y trabajo más amplios.

¿Sabías que el Himno Nacional de Estados Unidos está basado en una antigua canción británica? En este documental, los músicos y productores Kris Bowers y Dahi viajan por los EE. UU. para descubrir cómo podría sonar un himno nacional inspirado en la rica mezcla de géneros musicales de los Estados Unidos.

A medida que cruzan el país, exploran y hablan sobre Motown en Detroit, blues en Clarksdale, música country en Nashville, jazz en Nueva Orleans, música y baile nativo americano en Tulsa y música latina en San Francisco. Con toda esta información, conocimiento e infusión de experiencia cultural, se dispusieron a grabar un nuevo himno que tiene como objetivo reflejar la América de hoy.

Tierra Whack saltó a la fama a los 15 años después de que un video de su estilo libre rapeando en las calles de Filadelfia acumuló miles de visitas. A medida que se convirtió en un elemento básico en el mundo del rap, el director Chris Moukarbel quería documentar su viaje.

Comenzó a filmar en sus conciertos y en el set de sus videos musicales para capturar el viaje detrás de escena. Una noche, una extraña interacción con un fan llevó a Tierra y su equipo por un camino involuntario hacia teorías de conspiración en torno a la industria de la música dirigida por un pequeño grupo de élites. En este pseudo-documental, nos vemos obligados a cuestionar todo: ¿Qué es real, quién cuenta esta historia y qué debemos creer?

Taylor Mac es una extraordinaria artista multipotencial cuyo extenso trabajo teatral incluye esta versión condensada de una actuación musical de 24 horas filmada en St. Ann's Warehouse de Brooklyn. Es un intento de resumir la historia de la música de Estados Unidos desde 1776 hasta la actualidad. Taylor Mac es la estrella del espectáculo, pero cuenta con el apoyo de una gran cantidad de otros increíbles artistas, cantantes, músicos y más. Capturada por los renombrados cineastas Rob Epstein y Jeffrey Friedman, esta es una extravagancia deliciosamente queer, glamorosa y desenfrenada.

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